Arte pela Arte - 2025

 

arte pela arte - 2025

Quando na conferência que foi dada na Biblioteca Municipal Álvaro de Campos em Tavira foi-me perguntado algo que tinha a ver com a arte pela arte. Não me recordo o que respondi. Mas este assunto constituiu uma inquietação positiva.

Estávamos nesse momento a falar de Arte, Liberdade e Criatividade, no contexto das comemorações do 25 de abril de 1974.  E por razões óbvias a nossa conversa incidiu mais sobre os anos 70, a década.

Esta questão, arte pela arte (Parnasianismo,) fez-me repensá-la, a ponto de efervescer o meu pensamento.

Nos primeiros anos do século XXI a questão da arte pela arte e a arte por causas, dominou o meu pensamento e influenciou o meu processo. Questionava-me se a arte deveria ser feita apenas por causa dela própria, a forma, ou se deveria ser feita por uma causa exterior a si.

Nesse momento, afastando-me do pensamento da arte pela arte aproximei-me da minha própria causa: combater a unânime e irritante aceitação de um mundo unipolar confluente para um grande e único centro: o centro do mundo à maneira de Roma, Paris, Nova Iorque, etc.

Procurando contrariar esta unipolaridade, foi feita obra plástica ao longo de cerca de dez anos que foi exposta numa instalação no Museu Militar de Lisboa. Esta exposição foi dividida em quatro eixos: museu, stress, ícone, mapa. O museu como preservação, stress como a relação espaço tempo, ícone como referência e mapa como caminho. O corolário desta exposição ficou no título: O Centro do Mundo é aqui (2013), assinalando exteriormente o Museu Militar de Lisboa.

Neste acontecimento foi dito que o centro do mundo é onde cada um de nós está ou é o lugar que cada um de nós queira nomear como tal. E neste caso, deste acontecimento, o Museu Militar entre maio e setembro, foi por mim nomeado como Centro do Mundo.

Infelizmente esta mensagem, que é resumidamente uma recusa do conceito de periferia, foi pouco entendida e pouca relevada, como se se estivesse a dizer algo de muito óbvio. Todos sabemos que o centro do mundo é onde nós estamos, mas continuamos a aceitar nos coloquem numa situação, periférica, e alegremente trabalhamos nesse sentido em todas as áreas do conhecimento, nesse sentido.

Esta causa estruturou o nosso trabalho artístico. Ela resultou de tudo o que de inquietante se passava no mundo na primeira década do século XX: geopolíticas, mundos unipolares, multipolares e nova ordem mundial. E foi confrontada com outras causas, que sublevaram outros temas, modos e processos, em torno de uma espécie de agenda temática, com muito efeito na arte contemporânea que sendo absolutamente válida, também é promotora de uma arte militante em três alíneas: ambiente, colonialismo e género, salientando apenas uma das muitas funções da arte: a arte como educação para a cidadania.

Assim percebemos que, genericamente, todos continuamos a aceitar uma filosofia social gerida por um sistema unipolar, com grandes potências a digladiarem entre si o centro do mundo, arredando todos nós (nações ou indivíduos) para círculos periféricos dispostos hierarquicamente.

Essa agenda temática introduzida, sendo muito pertinente, afastou-nos da causa principal que seria compreender que cada um de nós (nações e indivíduos) é efetivamente o centro do mundo. Verifiquei cedo ser uma utopia. Estava convicto de que cada ser humano tinha adquirido maturidade e responsabilidade para ser um centro. Mas não tem sido isso que aconteceu. O ser humano continua carente de um centro do mundo que organize a sua liberdade, procurando ajuda de centros do mundo quer sejam eles urbanos ou mitológicos. Não conseguimos, absurdamente, viver sem um «ícone», sagrado ou profano, que nos oriente neste mundo cheio de perigos, artificialmente induzidos.

Perante este panorama, ao longo destes anos, o que nos resta é simplesmente algo de supremo que orienta e que tem a verdadeira capacidade para transformar o mundo como sempre o fez: a Arte.

Não será fazer arte pela arte no sentido da procura da forma ao serviço da estética em si mesma. Também não fazemos arte pela arte no sentido do artista que tem de manter a marca expressiva nos seus produtos junto dos seus clientes ou fans.

Procuramos a Arte em muitas matérias sempre à procura da forma, como um processo de reflexão sobre o Todo. A Arte é sempre um objetivo e o que resulta da sua demanda é apenas um testemunho, um contributo, uma partilha, uma hipótese. Ela é estruturante de tudo, porque sem ela, o homem poderia existir, mas a humanidade não. A arte é espaço de investigação através dos modos mais diversos e em cada obra está exposta uma hipótese do mundo possível.

Assim, não estamos na Arte por causa da Arte, nem tão pouco por causa de uma expressão ou marca a manter. O nosso entendimento é de que a Arte é apenas o momento espaço / tempo para partilhar com os outros ideias, pensamentos e obras, perenes e atuantes, que vão discernindo e esclarecendo o mundo à medida que forem procuradas, partilhadas, estudadas e amadas.

 

 

Ilídio Salteiro

31 de dezembro de 2025

 

 

art for art’s sake - 2025

When I was giving a lecture at the Álvaro de Campos Municipal Library in Tavira, I was asked something that had to do with art for art's sake. I don't remember what I answered. But this subject constituted a positive concern.

We were at that moment talking about Art, Freedom and Creativity, in the context of the commemorations of April 25, 1974. And for obvious reasons, our conversation focused more on the 70s, the decade.

 

This question, art for art's sake (Parnassianism), made me rethink it, to the point of stirring my thoughts.

In the first years of the 21st century, the question of art for art's sake and art for causes dominated my thinking and influenced my process. I wondered if art should be made only for its own sake, the form, or if it should be made for a cause external to it.

 

At that moment, moving away from the idea of ​​art for art's sake, I approached my own cause: to combat the unanimous and irritating acceptance of a unipolar world converging towards a single, great center: the center of the world in the manner of Rome, Paris, New York, etc.

Seeking to counteract this unipolarity, a body of artwork was created over approximately ten years and exhibited in an installation at the Lisbon Military Museum. This exhibition was divided into four axes: museum, stress, icon, map. The museum as preservation, stress as the space-time relationship, icon as reference, and map as path. The corollary of this exhibition was the title: The Center of the World is Here (2013), externally marking the Lisbon Military Museum.

At this event, it was said that the center of the world is where each of us is, or the place that each of us wants to name as such. And in this case, at this event, the Military Museum, between May and September, was named by me as the Center of the World.

Unfortunately, this message, which is essentially a rejection of the concept of periphery, was poorly understood and underappreciated, as if something very obvious was being said. We all know that the center of the world is where we are, but we continue to accept being placed in a peripheral situation, and we happily work towards that goal in all areas of knowledge.

This cause structured our artistic work. It resulted from all the unsettling things that were happening in the world in the first decade of the 20th century: geopolitics, unipolar and multipolar worlds, and the new world order. And it was confronted with other causes, which raised other themes, modes, and processes, around a kind of thematic agenda, with a great effect on contemporary art, which, while absolutely valid, also promotes militant art in three areas: environment, colonialism, and gender, highlighting only one of the many functions of art: art as education for citizenship.

Thus, we realize that, generally speaking, we all continue to accept a social philosophy governed by a unipolar system, with great powers vying for the center of the world, relegating all of us (nations or individuals) to hierarchically arranged peripheral circles.

This thematic agenda, while very relevant, has distanced us from the main issue, which would be understanding that each of us (nations and individuals) is effectively the center of the world. I quickly realized this was a utopia. He was convinced that each human being had acquired the maturity and responsibility to be a center. But that is not what has happened. Human beings continue to lack a center of the world to organize their freedom, seeking help from world centers, whether urban or mythological. Absurdly, we cannot live without an "icon," sacred or profane, to guide us in this world full of artificially induced dangers.

In this context, over the years, what remains for us is simply something supreme that guides us and has the true capacity to transform the world as it always has: Art. It's not about making art for art's sake in the sense of seeking form in service of aesthetics itself. Nor do we make art for art's sake in the sense of the artist having to maintain an expressive mark on their products with their clients or fans.

 

We seek Art in many materials, always searching for form, as a process of reflection on the Whole. Art is always an objective, and what results from its pursuit is merely a testimony, a contribution, a sharing, a hypothesis. It is the structuring element of everything, because without it, man could exist, but humanity could not. Art is a space for investigation through the most diverse modes, and in each work, a hypothesis of the possible world is exposed.

 

Thus, we are not in Art because of Art, nor because of an expression or mark to be maintained. Our understanding is that Art is merely the moment, space, and time to share with others ideas, thoughts, and works, perennial and active, that discern and clarify the world as they are sought, shared, studied, and loved.

 

Ilídio Salteiro

December 31, 2025

A Europa é um Arquipélago... e não sabe disso.

 Ilídio Salteiro, Europa é um Arquipelago, 2013. Impressão digital.

Exposto no Museu Militar de Lisboa em 2023 numa exposiçao intitulada O Centro do Mundo é aqui

Mundo Novo & Natura Naturans

Exposição de Ilídio Salteiro e Dora Iva Rita no Salão da SNBA, Sociedade Nacional de Belas Artes em  Lisboa, de 6 de fevereiro a 2 de março de 2024.

Mundo Novo foi o título encontrado para a exposição que se realizou no Salão da Sociedade Nacional de Belas-Artes entre 6 de fevereiro e 2 de março de 2024. Este título foi o elo que junta oitenta e oito trabalhos selecionados de entre o que foi realizado de 2018  a 2023.

Estas obras são feitas tendo o óleo como médium, umas sobre suporte de papel outras sobre suporte tela. A opção por esta tecnologia, «óleo sobre tela» não é uma mera solução de recurso. Resulta do facto de entendermos a Arte como um corpo constituído por três dimensões essenciais. A primeira tem a ver com o corpo em si mesmo, com a sua fisicalidade, uma segunda está de acordo com o seu corpo cultural, ou seja, dimensão plástica, e outra que privilegia os domínios das sensibilidades, uma dimensão estética... (Ilídio Salteiro, extrato de texto de apresentação da exposição, 2024)

MAIS

Pode-se escrever

Pedro Oom (14 de junho de1926 - 26 de abril de 1974): escritor e poeta surrealista português, ligado ao neorrealismo, ingressou, no final da década de 40, na corrente surrealista, participando das atividades do Grupo Surrealista de Lisboa e também do anti-grupo "Os Surrealistas".

PODE-SE ESCREVER

Pode-se escrever sem ortografia

Pode-se escrever sem sintaxe

Pode-se escrever sem português

Pode-se escrever numa língua sem saber essa língua

Pode-se escrever sem saber escrever

Pode-se pegar na caneta sem haver escrita

Pode-se pegar na escrita sem haver caneta

Pode-se pegar na caneta sem haver caneta

Pode-se escrever sem caneta

Pode-se sem caneta escrever caneta

Pode-se sem escrever escrever plume

Pode-se escrever sem escrever

Pode-se escrever sem sabermos nada

Pode-se escrever nada sem sabermos

Pode-se escrever sabermos sem nada

Pode-se escrever nada

Pode-se escrever com nada

Pode-se escrever sem nada

Pode-se não escrever

Uma dedicatória: sim posso escrever como pinto; sim posso falar como vejo.

Ilídio Salteiro, Babel 1, 2018. Aguarela sobre papel, 20 cm x 30 cm.

Mundo Novo & Natura Naturans trabalhos recentes de Ilidio Salteiro e Dora Iva Rita

 

AS COISAS QUE EU FAÇO E DESENHO

Obras de Dora Iva Rita

 

Em primeiro lugar, há que andar um pouco à roda da palavra «coisas»… Coisas vivas ou inanimadas, produtos da Natureza ou fabricados pelos humanos – todas essas «coisas» foram objeto da curiosidade da Pintura desde a Antiguidade Clássica aos nossos dias, dando origem a um género, a chamada Natureza Morta, que, talvez poucos saibam, começou por ser designada, em finais de Quinhentos e inícios de Seiscentos, pela interessante expressão «Instantes suspensos de vida», ainda hoje presente na versão anglo-saxónica Still Life ou Still Leben… Pretendiam os primeiros pintores barrocos congelar o instante e, no caso da Natureza Morta, o famoso Jan Brueghel almejava a que a Pintura conseguisse «superar» a Natureza, apresentando grandes jarras com flores frescas de todas as épocas do ano, que ele ia pintando ao longo dos meses e das estações, surpreendendo o espectador da época que via juntas espécies de janeiro ou março que já estariam secas quando floresciam as de outubro ou dezembro…

Não são, naturalmente, essas as preocupações de Dora Iva Rita, embora os processos de registo ou de composição possam ter algumas dessas boas referências… Dora Iva também constrói as suas assemblages de «coisas», umas resultantes da Natureza outras claramente fabricadas pelo engenho humano, e, em quase todas elas, há qualquer coisa de «ninho», não só pela forma e pelos materiais, mas sobretudo pelo simbolismo associado à geração da vida, aqui como que suspensa, sem os desabrochamentos imediatos que se pressuporiam, embora se adivinhem voos, e portanto desenvolvimentos vitais, nos elementos circundantes, que tanto evocam asas de ave como velas de barcos ou até pétalas abertas de uma corola… Em suma, evocação de Vida, apesar de estarmos a ver objetos aparentemente inanimados.

Já os desenhos narram outras histórias… Alguns são claramente exercícios de registo e variação sobre as assemblages, mas, ao introduzir novos ângulos de visão, elas transfiguram-se, perdemos, até, a referência da sua materialidade original, tornam-se outras obras, frescas revisitações ora de um certo aconchego do ninho ora das esvoaçantes pétalas ou velas que anunciam o desabrochar de uma pulsão vital, erótica…

Em muitos outros casos, porventura a maioria, perdem-se completamente as referências às «coisas» das assemblages expostas para nos concentrarmos nas referências a outras «coisas» que estão sempre na origem desse olhar milenar da Pintura, vestígios da Natureza, arranjos quotidianos desses vestígios, composições feitas de combinações desses vestígios e de objetos do quotidiano, numa infinita variação sobre os mesmos motivos que nunca se esgota porque é o renovado olhar sobre cada um deles e sobre os conjuntos que aleatoriamente se podem formar, é esse olhar da pintora que se reinventa incessantemente.

Esta exposição, que desvenda um olhar predominantemente «micro» sobre as «coisas», aparece numa espécie de cubo construído ao centro de uma outra exposição, que o rodeia, de pintura do companheiro de Dora Iva, Ilídio Salteiro, que explora espacialidades vastas e construídas do seu imaginário, em formatos generosos, em contraste com os formatos «intimistas» no interior do cubo, proporcionando-nos uma extraordinária e rara complementaridade de visões e de modos de fazer que enriquece e muito a Pintura Contemporânea.

 

Janeiro de 2024.

Fernando António Baptista Pereira

ESPAÇOS E CONSTRUÇÕES, LUGARES DO IMAGINÁRIO

Sobre a Pintura de Ilídio Salteiro

 

Quando olhamos para o conjunto das pinturas de grande e médio formato que Ilídio Salteiro expõe no grande salão da Sociedade Nacional de Belas Artes percebemos, quase de imediato, que um denominador comum emerge: a relação multímoda entre espacialidades e construções no universo imaginário de uma pintura que, acima de tudo, interroga fronteiras entre géneros seculares na História da Pintura e entre modalidades do próprio «fazer» pictórico.

Sejam visões de paisagens imaginárias a partir de ou ao lado de imagens de interiores construídos em formas límpidas e luminosas, sejam construções imaginárias que, numa geometria muito criativa e sem quaisquer preocupações de «funcionalidade», envolvem, contém ou separam imagens exuberantes e sensuais de paisagens inventadas, com vagos referentes – é este o «pano de fundo» cenográfico em que se ensaiam relações muito sábias entre o desenhar e o pintar, entre manchas violentas, matéricas e eloquentes que definem formas, volumes e profundidades e apontamentos subtis de desenho que desafiam os ilusionismos evocados e nos sublinham que estamos sempre e só diante do esplendor da Pintura e do Desenho nos seus infinitos avatares...

Há, certamente, para além de uma manifesta sensualidade da execução, mensagens subliminares, algumas das quais nem o autor conseguirá controlar, simbolismos procurados no número das composições de certas temáticas, quase como num ritual ou numa espécie de litania que ele nos quer recitar na calma e na serenidade da sua personalidade de artista, e, até, saborosas citações de grandes mestres da História da Pintura que, como o compasso no olhar que reivindicava Miguel Ângelo, já fazem parte da memória de todos os artistas, quer das imagens que a toda a hora se convocam, quer do fazer que se materializa na superfície das telas.

Mas o que acaba por prevalecer é uma atitude claramente meta-pictural em que se reinventa a possibilidade de uma Pintura, nos dias de hoje, que não é, uma vez mais e apenas, uma «paisagem da Pintura» ou uma «paisagem do fazer», mas, além de tudo isso, uma reflexão inovadora e pertinente sobre a fluidez dos limites dos géneros consagrados e desconstruídos na história recente e, sobretudo, das modalidades técnicas que distinguem e fazem conviver e interpenetrar o inefável prazer espiritual e o deleite sensual de desenhar e de pintar.

Esta exposição, que nos revela um olhar claramente «macro» de espacialidades vastas e sensuais e de construções engenhosas desenhadas e pintadas para com elas dialogarem, envolve um outro espaço expositivo mais pequeno, ao centro, que se encontra povoado, em absoluto contraste, por uma visão «micro» dos objetos e dos desenhos realizados pela companheira de Ilídio, Dora Iva Rita, numa interessante complementaridade de modos de ser e de estar na Pintura, na continuidade de tantas outras que a História e tempos mais recentes conheceram e divulgaram, que vivamente se deve saudar e acarinhar!

 

Janeiro de 2024.

Fernando António Baptista Pereira

Mundo Novo & Natura Naturans

 Press Release

Mundo Novo & Natura Naturans

Exposição de Ilídio Salteiro e Dora Iva Rita no Salão da SNBA

 

Local: Salão SNBA

Inaugura dia 6 fevereiro, às 18h30.

Estará patente até dia 2 de março 2024.

Aberta todos os dias das 12h00 às 19h00, exceto domingos e feriados.

Ilídio Salteiro, 2021. Óleo sobre tela, 100 cm x 10 cm.

Dora Iva Rita, 2023. Aguarela, 24 cm x 30 cm.

O Salão da Sociedade Nacional de Belas Artes recebe duas exposições dos artistas Ilídio Salteiro e Dora Iva Rita.

Ilídio Salteiro (n. 1953) desenvolve o seu tema em torno da paisagem e do território, sobrepondo ficções e narrativas com uma revisitação ao mundo imaginário da pintura.

Os trabalhos de Ilídio Salteiro são o resultado de um processo artístico com início em 2018, em torno de uma ideia de Babel entendida como metáfora do mundo novo que se vem instalando, sobre valores de bem e de mal cada vez mais líquidos. A opção pela pintura a óleo resulta da valorização dos modos ancestrais de fazer arte, num tempo onde reina o imediato, o efémero e o ocasional.

O processo artístico de Ilídio Salteiro vai absorvendo as dinâmicas de pré-pandemias, pandemias e pós-pandemias, vai vivendo entre a incerteza e a certeza de muitas guerras, ao mesmo tempo que se confronta com a necessidade emergente de ancorar a sobrevivência da inteligência humana em inteligências artificiais.

 Dora Iva Rita (n. 1954) apresenta aguarelas e objetos que exploram as correspondências telúricas entre o amor e a morte, num abraço dos seres e das terras.

Cada uma das suas pinturas é antecedida por um suporte, efémero ou físico, construído como objeto, escultura, ready-made ou assemblage. Estes objetos agregam os mesmos pressupostos da pintura: uma arqueologia do contemporâneo. São frágeis na sua constituição eclética com elementos silvestres, têxteis e cerâmicos (ninhos, ramos ou pedras, o têxtil onde o algodão é enformado com colas e terracota, onde se ensaiam técnicas ancestrais, como o brunido, engobes e esgrafitado).

Para Dora Iva Rita a Pintura apresenta-se como atitude reflexiva e de debate sobre as questões da humanidade no mundo.

Centro do Mundo

Texto lido pelo autor, Ilídio Salteiro, sobre Arte e Pintura e sobre o projeto de Pintura intitulado o Centro do Mundo, apresentado e exposto em 2013 no Museu Militar de Lisboa.

 

Sou pintor.

 

Se todo o ser humano é um artista isso significa que eu também sou artista: eu, o meu amigo e todos os nossos demais conTERRÂneos. Este facto deve-se à livre possibilidade de acessos e de direitos conquistados pelas sociedades democráticas durante a segunda metade do século XX. Uma conquista vislumbrada inicialmente por Marcel Duchamp, corporizada efetivamente por Joseph Beuys e vivida comumente nas sociedades pos-modernas e globalizantes atuais, onde a Arte convive com o lazer, a festa, o festival, o consumo, o mercado, a terapia, a pedagogia e com o conforto económico e social global: uma convivência fraterna com conceitos abertos de ambiente, natureza e vida.

Mas, para além desta minha qualidade de artista (ser humano), sou cada vez mais aquele que procura respostas construindo propostas através da Pintura: sou pintor!

Ilídio Salteiro, 2023

Personagens Insustentáveis de António Garcia Lopez

 Personagens Insustentáveis de António Garcia Lopez

Em Personajes Insostenibles, temos uma exposição de António Garcia Lopez que traz para o debate no mundo da arte a relação entre estética e temáticas sociais, ambientais e artísticas. Verifica-se também, perante o seu modo de produção artística, que a colagem não é apenas uma tecnologia para realizar composições pictóricas. Nele, ela é um modo de reutilizar o manancial absolutamente excessivo de imagens que diariamente nos assediam com propostas de infindáveis produtos e de muito discutíveis modos de estar e ser. E também nos mostra, muito claramente, uma visão de um mundo construído em torne de uma sociedade híperconsumista, embriagada pelo consumo de futilidades e pateticamente aderente a todo um perigoso universo de efemeridades que colocam em risco a sociedade humanista de hoje que tanto nos custou a construir. Finalmente sentimos em toda a sua obra um forte apelo para que tenhamos uma atitude mais sustentável nos nossos atos.

São estes três pressupostos que têm sido o alimento essencial da obra de AGL nos últimos anos. Os anos em que nos conhecemos e nos quais estes temas foram motivo de conversas, debates informais, troca de opiniões e cumplicidades em projetos artísticos e curatorias, sempre que as circunstâncias dos momentos os propiciaram, nos espaços de muitas instituições entre Lisboa, Múrcia e Valencia.

Pode ser constatado nos trabalhos expostos que AGL aprofunda a sua perspetiva de visão para o mundo, continuando a exploração da estrutura compositiva do género do retrato materializado através da colagem que, revelando ter capacidade para subverter a tradição renascentista, também consegue realçar um seu modo dadaísta de ser, fazer e ver o estranho espaço que ocupamos no tempo presente (Freud, 1919).

O processo da colagem, tem sido o seu grande recurso desde 2000, contabilizando um grande número de exposições. É um processo de criação artística que resulta de uma rigorosa investigação em arte onde se referenciam ascendências artísticas, culturais e conceptuais de artistas como Josep Renau (1907-1982) ou Francisco Goya (1746-1828), nomeadamente a obra gráfica, dando continuidade a uma escola de pintura espanhola genuína quanto às suas características expressivas.

Como escreve AGL na nota de imprensa para esta exposição as suas colagens …son literalmente “re-collages” que pretenden componer y explicar el mundo que nos rodea, es un laboratorio para las ideas, un campo de batalla sin fin, la suma de estratos y capas de nuestra historia pero también de la “basuraleza” que hemos generado, una forma de reinventarse a partir de la propia experiencia, es en definitiva lo que ha venido haciendo la pintura a lo largo de toda su tradición y lo que la mantiene tan presente y tan viva en el resto de manifestaciones artísticas»…

Mas nestas obras, sob a designação de Personajes Insustentabiles, AGL quando utiliza a sua própria expressão pictórica como elemento de composição que sugere uma sensação de espaço expressionista e gestual ao serviço dos enquadramentos ou contextualizações de todo o conjunto, salienta um elemento pictórico novo: a textura como matéria. Sobre espaço vão sendo acumulados recortes de muitas imagens com outras posições e escalas, desempenhando o papel de protagonistas dos espaços e das narrativas como personagens ou atores do mundo contemporâneo. Um mundo onde o valor das coisas já não é determinado pelas dimensões humanistas, estéticas, culturais, antropológicas ou sociológicas, mas é apenas determinado pelo valor atribuído por um sistema regulado pelas leis da oferta e da procura: o dinheiro.

Antonio García López é um artista / pintor que desenvolve a sua atividade entre Múrcia e Valência, que deixa perceber na sua obra um conhecimento culto do classicismo hispânico e europeu sob o desígnio de uma visão sarcástica, mordaz, crítica e interventiva sobre a distopia da sociedade contemporânea globalizante e autocolonizadora. Isto corresponde a um modo de estar muito especial porque coexiste com o tempo da apologia do entretenimento e da efemeridade das coisas, dos atos e dos compromissos. Num tempo em que impera cada vez mais uma inteligência artificial neoimperial, governadora global de todos nós, a atitude estética do AGL torna-se relevante pela coragem do olhar, do ver e do decidir, sabendo fazer uso do pensamento humanista implicado na criação artística sem efeitos digitais fúteis.

Apela militantemente ao nosso entendimento em vez de apelar apenas ao olhar. As obras que nos apresenta são pensamentos materializados como se fossem primeiras páginas de muitos livros abertos prontos a serem partilhados com o outro, ao qual se exige que, para além desse olhar primeiro, use a sua aptidão para entender e fazer juízo sobre o seu próprio universo. Cada obra é por isso um médium com a função de promover mais pensamentos, mais ideias e mais opiniões, mais energia. Um médium feito com maestria do domínio das artes de fazer formas plásticas, e com acutilância critica dirigida para a paisagem sociológica que vivemos.

Em El Paracaidista (2020) temos uma composição protagonizada por um barrete vermelho a servir de paraquedas a um pedaço de um rosto de alguém que parece exprimir uma simpatia afável. Nesta obra somos levados a pensar nas estratégias subliminares que se artilham, através de apelos necessidades de consumo absurdas dos quais a figura do Pai Natal é uma delas, com o objetivo se submeter um território ou uma cultura a outras formas de colonialismo.

A facilidade com que obtemos imagens figurativas, abstratas, fantásticas, reais ou ficcionadas é estonteante. É igualmente estonteante a diversidade de meios existentes para que as obras feitas adquiram corpos diversos através de remediações sucessivas (David Bolter, 2000). Todas estas remediações possíveis nos arrastam para um tempo em que imagem e artes visuais se confundem com pintura. Momentos em que pintura se confundo com uma tecnologia, ou seja, momentos em que olhar o mundo não basta para o entender. Inteligência, raciocínio, opinião ou razão são recursos humanistas absolutamente indispensáveis para a sobrevivência universal.

O formalismo estruturante da sua obra, marcado culturalmente pelas raízes da sua formação, está bem sustentado com todos estes Personajes Insostenibles, intitulados de um modo limpido: el sostenible, el reciclado, los ecológicos, la última cima, alta resistência, los insectos, consumidores compulsivos, la criada ou Noé y su arca. Sustentabilidade, reciclagem, ecologia, consumo ou ameaça apocalíptica são os assuntos que hoje condicionam os nossos comportamentos mais básicos. Personagens construídas por colagens de um rigor expressionista que nos remete claramente para duas questões: a primeira será a colagem como primórdio essencial da Pintura a qual se concretiza apenas pela capacidade que os médiuns (seivas, resinas, óleos ou químicos) têm para colarem outras matérias (pigmentos, cor e textura) sobre muitos suportes (Salteiro, 2018). A segunda será a assunção da expressão visual do pensamento que, para se formalizar, recorre a todas as tecnologias disponíveis.

Mas a expressividade maior, plástica e conceptualmente, que se manifesta claramente nas obras de AGL advém da sua identidade de valenciano marcado pelas ricas manifestações tradicionais das Fallas. As Fallas são uma tradição com raízes medievais que celebram o equinócio da primavera através de queima de obras de pintura / escultura extremamente críticas da sociedade local regional nacional ou mundial, tendo como destino fazer uma grande fogueira com todas elas. Esta festividade anual serve para se queimarem os fantasmas de todos e de cada um, num momento partilhado coletivamente, com muitas interpretações críticas sobre a sociedade.

AGL usa o corte, a colagem, a sobreposição e o confronto, agrupando imagens coletadas em revistas e jornais em composições imbuídas de uma evidente teatralidade fotográfica e televisiva. Depois articula espaços compositivos onde se encenam narrativas comuns do dia a dia, transformando coisas e personagens em marionetas de um ecossistema que atrofia e desvaloriza cada vez mais os pensamentos livres.

Vale a pena ver, refletir e acompanhar os trabalhos de Antonio Garcia López, porque eles demarcam-se da irresistível tendência para considerar a arte contemporânea com tendência global alinhada.

Ilídio Salteiro, 2023

Algumas referências: 

David Bolter, G. R. (2000). Remediation, understanding new media. Cambridge Massachusetts: The MIT Press.

Freud, S. (1919). O Estranho. Obtido de https://conteudos.files.wordpress.com/2016/02/ensaio-o-estranho_freud.pdf

Salteiro, I. (Janeiro Março de 2018). Antonio García López : colagem e politica como processo de pintura. Estúdio, 9(21), pp. 60-66. Obtido de http://hdl.handle.net/10451/38335

Museo Historico Municipal de Écija - Ayuntamiento de Écija

 

Arte Contemporáneo Portugués en el Museo Histórico Municipal de Écija

 

Una vez más, la ciudad de Écija se ratifica como baluarte del panorama artístico contemporáneo internacional gracias a la apuesta del Museo Histórico Municipal de Écija por el arte de vanguardia. Los artistas portugueses y profesores-investigadores de la Universidade de Lisboa, Ilídio Salteiro y Dora-Iva Rita protagonizan sendas exposiciones individuales  simultáneas comisariadas nuevamente por el ecijano 233, a.k.a. Ramon Blanco-Barrera.

Dicotomía de la verdad, que así se llama el evento expositivo que recoge los proyectos directamente interrelacionados de estos dos artistas, es una investigación abierta y en constante evolución sobre los eternos interrogantes que gobiernan nuestro mundo. A través de una serie de materializaciones artísticas en contraste; pinturas, dibujos, esculturas, instalaciones… de pequeño formato, se erigen pilares y contrafuertes para intentar dar cabida a las múltiples experiencias de búsqueda de la verdad entre las personas.

Por un lado, Ilídio Salteiro (Alpedriz, 1953) expone una propuesta pictórica dual entre la vida y la naturaleza, el bien y el mal, lo desarrollado y lo peregrino, la inadaptación y la evolución. Disecciona preguntas, lanzando respuestas visuales para conectar con lo real a través de un público voraz lleno de signos, gestos y sensaciones.

Por otro lado, Dora-Iva Rita (R.D. Angola, 1954) presenta una especulación de mundos paralelos dibujados y tridimensionados en cerámica, ensamblados e instalados manualmente como si de la Madre Tierra se tratara, y con los que plantea reflexionar sobre el origen de las cosas. Volver al principio para renacer en una dimensión sociológica mayor, sostenible.

Dicotomía de la verdad les invita a su inauguración, que tendrá lugar el sábado 1 de octubre de 2022 a las 12:00 horas en la Sala de Exposiciones Temporales del Museo Histórico Municipal de Écija, con entrada libre hasta completar aforo. Las exposiciones estarán abiertas al público en el horario habitual del Museo, del 1 de octubre al 2 de noviembre de 2022.